JiaJia Fei é uma estratega digital com 15 anos de experiência a trabalhar na interseção de marketing digital, web, mobile, áudio, vídeo e estratégia de conteúdos para redes sociais no contexto da arte e cultura. Como fundadora da primeira agência digital para a arte, a sua prática centra-se na missão de tornar a arte mais acessível através de estratégias criativas de storytelling e abordagens baseadas em dados—enquanto atende aos objetivos comerciais dos seus clientes. Conversámos com ela sobre o seu percurso, sobre arte e tecnologia, e sobre muito mais.
Como é que a a arte entrou na tua vida?
Desde ter aprendido a desenhar desde jovem até visitar museus por todo o mundo, a arte sempre foi uma parte significativa da minha vida e de como vejo o mundo. Sempre fui inspirada pelo meu entorno visual e pela ideia de criar algo a partir do nada. Acredito que todos os seres humanos têm o poder inato de imaginação e criatividade. Transformar essa imaginação em algo que pode ser partilhado e experimentado por outros é como eu defino a arte.
E como começou o teu interesse por tudo o que é Digital?
Como alguém que cresceu na internet, pode-se argumentar que o meu mundo sempre foi digital. Ensinei-me a programar e a criar websites na escola, o que me levou, de forma inesperada, a empregos nos departamentos de marketing de vários museus. Apesar de ter um diploma em História da Arte, nunca estive realmente interessada em tornar-me curadora ou historiadora de arte. A internet sempre foi mais emocionante para mim, como um espaço para tornar a arte mais acessível e descobrir como ela pode ser partilhada e descoberta de forma mais ampla.
O que é que o teu tempo no Museu Guggenheim te ensinou sobre a interseção entre Arte e Digital?
Comecei a trabalhar em museus nos primórdios das redes sociais e do conteúdo digital. Criei a conta @guggenheim no Instagram em 2012 e trabalhei em vários projetos globais que conectaram o museu ao resto do mundo online, como a primeira bienal de vídeo arte em colaboração com o YouTube e o mapeamento do interior do edifício Guggenheim no Google Street View com drones, para criar a primeira visita virtual do museu. Foi durante esse período que muitos museus perceberam que precisavam priorizar o seu público digital além dos visitantes presenciais.
Quais foram os principais sucessos durante o teu tempo como Diretora Digital do Museu Judaico de Nova Iorque?
Em 2016, tornei-me a primeira Diretora Digital do Museu Judaico de Nova Iorque e fui encarregue de construir e liderar a primeira equipa digital do museu, alinhando a programação e a ambição curatorial no espaço digital. Lançámos uma aplicação móvel baseada na web e experimentámos com projetos de realidade virtual, mas, mais importante, perseguimos iniciativas que eram adequadas ao tamanho da nossa equipa. A lição mais importante que aprendi nesse trabalho foi que não é necessário fazer tudo. Menos é mais. Através do minimalismo digital, fizemos escolhas estratégicas que faziam sentido e resolviam um problema. Se a tecnologia era a resposta, qual era a pergunta?
Podes-nos falar mais sobre a tua experiência ao fundar a primeira agência digital para o mundo da arte?
No início de 2020, poucos meses antes da pandemia e do encerramento global de museus e galerias por todo o mundo, decidi lançar a minha própria consultoria digital, a primeira agência digital para a arte. Depois de mais de uma década a trabalhar em instituições, queria expandir a minha prática de resolver problemas no mundo dos museus para outras dimensões do mundo da arte: colaborar com galerias, fundações, colecionadores e, mais importante, trabalhar diretamente com artistas. O espaço para uma consultoria digital adaptada à arte e cultura não existia realmente, então eu sabia que era algo de que a indústria precisava.
Como vês a tecnologia a mudar a forma como a arte é criada, experienciada e vendida?
Numa palestra TED que dei (há quase dez anos) intitulada “Arte na Era do Instagram”, argumentei que o futuro da arte online será determinado pela forma como é vista e experienciada como um objeto social, definido mais pelas conversas em torno dela do que pela materialidade do próprio objeto. A correlação direta entre a economia da atenção e o valor cultural (bem como financeiro) da arte manifesta-se hoje no marketing de influenciadores, no valor inflacionado dos NFTs e no envolvimento algorítmico—todos produtos do avanço tecnológico que não podemos reverter. As únicas opções que temos agora são adaptar-nos ou ser invisíveis.
Quais são as formas mais inovadoras que já viste de usar a tecnologia no mundo da arte?
Interessa-me mais a tecnologia quando é usada como uma solução de design, e não quando é implementada apenas por si só, como “objeto brilhante.” Para os artistas, a tecnologia é apenas mais uma ferramenta do nosso tempo na busca de uma imaginação mais expansiva. Nesse sentido, os projetos mais emocionantes para mim são aqueles em que a tecnologia pode imaginar ideias e experiências que não podem ser criadas no nosso mundo físico. Um exemplo recente é um projeto de realidade virtual produzido pela Acute Art para visualizar um templo das pinturas de Hilma af Klint que nunca foi realizado—algo que só poderia ser possível através da tecnologia.
Qual é o projeto que consideras melhor definir o teu trabalho?
Os projetos mais importantes em que trabalhei não têm nada a ver com produtos ou características tecnológicas, mas sim com uma história. Todas as obras de arte representam histórias, do indivíduo ou do coletivo. Um projeto que exemplifica isso para mim é uma série de vídeos que concebi para o Glenstone Museum por ocasião da exposição de Faith Ringgold. A Faith faleceu no início deste ano, e embora a exposição e o projeto fossem temporários, saber que contribuí para a história oral do seu legado na história da arte é algo que vai durar para sempre.
Que conselho darias a artistas que procuram usar ferramentas digitais para criar e promover o seu trabalho?
Uma das principais razões pelas quais comecei a minha empresa foi poder ajudar a capacitar artistas e construir a sua presença digital, para que pudessem focar-se na sua arte. Além do básico de tratar o seu website e perfis nas redes sociais como um portefólio, admiro muito quando os artistas incorporam a tecnologia como mais uma ferramenta na sua prática. Um artista de vídeo ou performance, por exemplo, deve considerar o espaço digital como o seu palco, seja estreando uma performance digital no Instagram Live ou criando uma série de vídeos no TikTok. O poder da tecnologia hoje é que todos têm a capacidade de construir o seu próprio público, ou encontrar um que já existe.
No teu trabalho, como equilibras a necessidade de adotar novas tecnologias com a importância de preservar os aspetos tradicionais do mundo da arte?
Apesar do interesse (agora) universal em trazer a arte online para alcançar mais pessoas, o mundo da arte não tem qualquer problema em manter a frequência presencial ou o tráfego de visitantes. Ao contrário de outras indústrias físicas como os negócios de retalho ou os cinemas, que foram substituídos pela Amazon e Netflix, respetivamente, as pessoas continuarão a ir a museus e galerias em pessoa porque a arte é, em última análise, uma experiência, e uma que se tem com os outros num contexto social. Nada jamais substituirá a sensação que se obtém ao estar no meio de uma instalação de vídeo com quatro canais ou ao olhar profundamente para a superfície de uma pintura.
Como te sentes em relação ao papel da inteligência artificial no mundo da arte?
Ao contrário da moda dos NFTs, acredito que a IA veio para ficar. A capacidade de abraçar a IA e integrá-la no seu trabalho (ou não) vai ditar o futuro da arte. Já está a mover-se tão rapidamente e em breve será omnipresente e profundamente integrada nos sistemas que usamos todos os dias. Tal como o corretor ortográfico mudou a forma como escrevemos e a Wikipedia mudou a forma como pesquisamos, acredito que a IA é apenas mais uma ferramenta que nos permitirá fazer as mesmas coisas que já fazemos, mas mais rapidamente.
O que te apaixona fora do teu trabalho no mundo da arte?
Durante a pandemia, tornei-me muito consistente na minha rotina de exercícios e comecei a fazer powerlifting! Escrevi recentemente sobre a minha jornada de fitness na publicação online Public Parking. A interseção entre arte e fitness é muito pequena, mas é algo que aspiro a unir 🙂
Quais são as tuas esperanças para o futuro do mundo da arte?
Espero que o mundo da arte se torne mais inclusivo e representativo de todas as pessoas que são criativas e apaixonadas por arte: que deveria ser toda a gente! Como estudante de história da arte, tive de desaprender muita coisa fora da escola para entender que existem muitas histórias da arte e muitos mundos da arte. As instituições e sistemas que dominam hoje são subprodutos de estruturas coloniais que levarão muito tempo a corrigir. A arte deve pertencer a todos.
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